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El viaje de Chihiro de Hayao Miyazaki.

Programa de mano. Ficha técnica y sinopsis.

      
      La fantasía está de moda, y la adaptación de grandes sagas literarias con contenido fantástico tales como El Señor de los Anillos, Crónicas de Narnia o el mismísimo Harry Potter ha sido la base de multitud de películas encuadradas dentro del cine fantástico. Los avances técnicos y los efectos especiales han hecho más creíble la filmación de estos mundos, pero la animación siempre ha sido un vehículo perfecto para la recreación y acercamiento de la magia al público infantil.

Fundador del mítico Estudio Ghibli, diseñador de personajes y productor en series de televisión tan famosas como Heidi y Marco, Hayao Miyazaki es considerado hoy en día, el director de animación más respetado y galardonado de Japón, que digo de Japón, ¡del mundo!



Su imaginación es portentosa, crea mundos e universos repletos de fantasía y lirismo. Aunque sus películas están dirigidas al público infantil, no cabe duda de que las frases “para niños y adultos” o “para todos los públicos” no le pueden venir más al pelo, ya que despiertan al niño que todos llevamos dentro y a los niños les muestra siempre historias repletas de aventuras y mundos maravillosos.
En su cine abundan los protagonistas jóvenes que se ven envueltos en incidentes con los cuales crecen como personas a lo largo de la historia mediante esfuerzo, sacrificio y aprendizaje.
El tema de la familia, así como el de la mitología son recurrentes, también las relaciones entre la humanidad y su repercusión con la naturaleza destilan mensajes ecologistas que nos muestran los destrozos que somos capaces de hacer.

A la finalización de La Princesa Mononoke, Miyazaki terminó tan harto y cansado que llegó a enfermar y a anunciar su jubilación. Hay que decir que La Princesa Mononoke es una historia dura, de contenido más reflexivo, que hizo que el maestro nipón realizara un esfuerzo descomunal para terminarla. Tras su anunciada retirada, y viendo que se había precipitado, empezó a buscar un proyecto menos pesimista que el anterior. Su intención fue buscar una historia que le reconciliara con su equipo, ya que tuvo grandes discusiones, y que fuera diametralmente opuesta a la anterior, es decir, más optimista y alegre. El resultado fue el siguiente:
El Viaje de Chihiro confronta varios mundos; el de los adultos y los niños, y el del mundo terrenal con el del mundo de los dioses. A este segundo mundo llega la familia de Chihiro en un Audi (publicidad que hace al mundo real más creíble) y en el que quedan atrapados al caer la noche. Acto seguido y bajo la protección de un chico llamado Haku, Chihiro conseguirá sobrevivir al mundo de los dioses diciendo que, (atención), quiere trabajar. Es una de las premisas del film: el tener un nombre o el manifestar sus intereses convierten a las personas en alguien, mientras que la privación de éstos son claros signos de falta de libertad.


Chiriro es torpe, fea y mal vestida, nada que ver con la representación idealizada de anteriores heroínas infantiles como Dorothy de El Mago de Oz o Alicia de Alicia en el país de las maravillas. Sus historias son parecidas, Chihiro es una Dorothy-Alicia moderna, pero menos finolis.
Lo que viene a explicar la película es la evolución de la niñez a la adolescencia, y por consiguiente, el aumento de responsabilidades con uno mismo, así como el inicio de una maduración personal que debe constituir una vía de aprendizaje para cada individuo.

Con respecto a los detalles técnicos propios de la animación decir que todos los dibujos, personajes y decorados eran pintados a mano, más tarde se escaneaban y digitalizaban, generando por ordenador el acabado, la animación y los colores finales. Una mezcla entre la animación artesanal y los avances logrados digitalmente. Tan sólo en algunos planos, y no demasiado largos, apercibiremos el uso de diseños hechos por ordenador.
La banda sonora recae sobre el habitual compositor de Miyazaki: Joe Hisaishi, recomendable en todos sus trabajos y en especial en esta película.

Entre sus galardones se cuentan el Oscar a la mejor película de animación y el Oso de Oro de Berlín a la mejor película, siendo la primera vez en la historia de ese festival que se entregaba a un film de animación, lo que suscitó una gran polémica entre los críticos alemanes. Además cuenta con una treintena más de premios internacionales. Ya La Princesa Mononoke desbancó a Titanic en la taquilla japonesa y ésta se vio superada por El Viaje de Chihiro que aguantó en la lista de más taquilleras hasta que otra película del Estudio Ghibli, El Castillo Ambulante la superó.

Para finalizar, recomendar todas y cada una de las películas de este autor, de este creador de sueños que es el Maestro Hayao Miyazaki.

JMT.
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Bonus. 
Película completa en inglés.

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Trailer

Pesadilla antes de Navidad de Tim Burton.


Ficha técnica y sinopsis. Primera página del programa de mano.

Poema original de Tim Burton.
“Era tarde en un otoño en la tierra de Halloween
y el aire era totalmente escalofriante.
Contra la luna un esqueleto se sentó,
solo sobre una colina.
Él era alto y delgado con una corbata de lazo
de murciélago;
Jack Skellington era su nombre.
Estaba cansado y aburrido en la tierra de
Halloween
"Estoy asqueado del susto, del terror, del miedo.
Estoy cansado de ser algo con lo que topas en la
noche.
Estoy aburrido con mirar de reojo mis horribles
miradas,
y mis pies duelen de bailar esas danzas de
esqueletos.
No me gustan los cementerios, y necesito algo
nuevo.
Debe haber algo más en la vida que solo gritar,
<<¡Bu!>>"

     Así comienza el poema en el que está basada la película. La elección de ésta no puede ser más obvia. Once de Diciembre, vísperas navideñas, cine para niños y mayores. Es la última proyección de las 29 que se han pasado a lo largo del 2008. Esta vez le toca el turno al cine de animación con “Pesadilla antes de Navidad” que este año cumple su 15 aniversario.
Profesionalmente amamantado en la Disney e influenciado por directores como Vincent Price, Ed Wood y las películas de terror de serie Z cuanto menos, Tim Burton ha conseguido configurar un universo propio que ha creado escuela. Estéticamente heredero del expresionismo alemán. Su “Eduardo Manostijeras” es una vuelta de tuerca del mega clásico “El Gabinete del Dr. Caligari” de 1919. En su escenografía abunda el estilo gótico con diseños angulares de calles y edificios. La oscuridad y las sombras también aparecen con asiduidad en toda su obra. Incluso en proyectos por encargo tan dispares como “Batman”, “El Planeta de los Simios” o “Charlie y la fábrica de chocolate” se deja ver su mano.
Aunque “Pesadillas antes de Navidad” no fue dirigida por él, no cabe duda de que se trata de uno de sus proyectos más personales. El poema original y el diseño de personajes son suyos, siendo además productor y supervisor de la película.


Fue filmada por la técnica de stop-motion, que viene a ser la captura fotograma a fotograma variando levemente la posición y gesticulación de las marionetas consiguiendo la sensación de movimiento. Mediante este proceso ya se le dio vida al “King Kong” de la década de los 30 y Tim Burton realizó su primer cortometraje, “Vincent” en 1982. El director, Henry Selick, tras conseguir elogios por Pesadilla antes de Navidad, se ha convertido en el animador en stop-motion más afamado, firmó James y el melocotón gigante (1996) y la adaptación de los relatos de Neil Gaiman Los mundos de Coraline (2009) con la que consiguió la nominación al Oscar.

El rodaje duró 3 años, en los que 15 animadores daban vida a 227 personajes articulados a través de una estructura metálica, 74 de los cuales eran dobles de los protagonistas, forrados de espuma de látex líquido y con más de 800 cabezas intercambiables, además se tuvieron que construir 240 decorados. Mediante el proceso de animación en stop-motion se conseguían unos 70 segundos semanales.

La crítica vapuleó la película tachándola de macabra y demasiado siniestra para el público infantil, pero la taquilla la alzó a la lista de éxitos y se convirtió en película de culto para millones de fans. A nivel de merchandising todavía sigue rentando y el personaje de Jack se ha convertido en el icono de multitud de camisetas, bolsos, juguetes, video juegos, disfraces…

Convertida en un clásico moderno, en el año 2006, salió una nueva versión en 3D, demostrando que sigue siendo una película viva, pese al tiempo que ha pasado desde su estreno.

El lamento de Jack. Canta a los 4 vientos su desesperación,
provocada por el aburrimiento y la monotonía de su vida. En la versión original es Danny Elfman el que da voz a Jack.

Destacar por último la asidua colaboración con Danny Elfman, responsable de la música y de las letras de casi todas las burton-movies, puesto que si el estilo visual es muy característico, no lo es menos las ambientaciones musicales que Elfman compone. Las letras que escribe para las canciones han tenido muy buenas adaptaciones al castellano y todas salvo la última película de Burton “Swenny Todd” han sido traducidas. Y es por eso, y por la posible afluencia de público infantil, por lo que la película se proyectará en castellano, al igual que “El viaje de Chihiro”.
En 2005, se estrenó “La novia cadáver” que continua con la fantasía de un director que no se cansa de inventar y apostar por la stop-motion.


JMT.
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Bonus.
Viñetas.

Viñetas extraídas de "La melancólica muerte del Chico Ostra"
de Tim Burton.

Viñeta publicada en el programa de mano de "Pesadilla antes de Navidad". En ella aparecen Jack Skellington quemándose en una hoguera de las fiestas de San Juan. Los 3 individuos de abajo a la derecha son caricaturas de los miembros de la Filmoteca vistos por J.M.T. De derecha a izquierda están Javier Ballesteros, Antonio Cristóbal y Antonio Ruzafa. La que está abajo a la izquierda es Juana de Arco muriendo quemada en la hoguera. " Juana de Arco" de Dreyer inauguró la 2ª edición de la Filmoteca y en esta viñeta tambíen se le rinde tributo.


Bonus 2.
Trailer.

3 consejos prácticos para no morir en una película de guerra. Viñeta ciclo cine antibélico.

Viñetas publicadas originalmente en el programa de mano de la Filmoteca de Sant Joan d´Alacant en febrero de 2009 por JMT.



Los uniformes que visten los personajes hacen referencia a la película que esa semana se proyectaba:
-Primer consejo perteneciente a Sin novedad en el frente con los uniformes alemanes de la 1ª GM.
-Segundo consejo de Senderos de Gloria con los uniformes franceses de la 1ª GM.
-Tercer consejo de Apocalypse Now Redux con las vestimentas americanas de la Guerra de Vietnam.

José Martínez Trigueros.

Ciclo "Cine antibélico".

Pincha en el título de las películas para poder ver el análisis de nuestro ciclo de cine antibélico.

-Sin novedad en el frente de Lewis Milestone (1930).
-Senderos de Gloria de Stanley Kubrick (1957).
-Apocalypse Now Redux de Francis Ford Coppola (1979).

Bonus.
Viñetas.

Senderos de Gloria de Stanley Kubrick.

Ficha técnica y sinopsis. Programa de mano.



"Alardear del arsenal, la pomposidad del poder
y toda esa belleza, toda esa prosperidad otorgada,
aguardan como un momento inevitable.

"Los senderos de gloria no conducen sino a la tumba."

Thomas Gray – Elegía escrita en la iglesia de un pueblo .


Siendo la de Stanley Kubrick una filmografía exigua (únicamente trece largometrajes en 46 años de carrera como director), contiene amplia variedad de temas con sus respectivos análisis e hipótesis. Sin embargo, todos obedecen a un patrón (en mi opinión, muy cercano al humanismo) buscado por el director y destapado por la repetición de ciertos elementos en sus obras. El más reiterado de esos elementos probablemente sea la guerra. Está presente en diferentes perspectivas e intenciones narrativas en Barry Lyndon, Teléfono rojo, La chaqueta metálica, Espartaco y en Senderos de gloria, que es la película que proyecta esta semana la Filmoteca de Sant Joan. Rodada en 1957, está basada en la novela homónima (denominador común de las obras de Kubrick) de Humphrey Cobb, que a su vez está basada en un hecho real ocurrido en el ejército francés durante la Primera Guerra Mundial, conflicto que sitúa temporal y espacialmente la película, a la par que Sin novedad en el frente.

Kubrick y Kirk Douglas durante el rodaje de Senderos de Gloria.
Senderos de gloria constituyó la primera colaboración entre Kubrick y el actor Kirk Douglas y tal como indica el número ordinal que acabo de mencionar, fue satisfactoria, pues luego Douglas buscó a Kubrick para dirigir Espartaco – aunque cabe anotar que esta relación acabó como el Rosario de la Aurora: Douglas llegó a declarar que Kubrick era “una mierda con talento” – y también fructífera, pues los hechos están rodados en el largometraje. El coronel Dax, uno de los personajes por el que más culto recibe Kirk Douglas, no sólo gracias a la nobleza que desprende su personaje, único en toda la filmografía de Kubrick – ninguno de sus personajes había sido ni sería tan impoluto en convicciones y actos como Dax - sino también al impactante antagonismo del general Mireau, interpretado por un genial George Macready.


Y es en la figura del cínico general Mireau donde hay que hacer hincapié para entender la intención de la película. Aunque la Filmoteca de San Juan propuso este ciclo como antibélico, pueden surgir ciertas dudas respecto al sentido de Senderos de gloria como película de tal cáliz. Algunas, generadas por el propio Stanley Kubrick, quien declaró que no veía la película como antibélica en sí, sino más bien en contra de la autoridad y de su hipocresía. Es una teoría plausible, no por nacer del propio director, sino porque su obra concurre en el antiautoritarismo (Espartaco, La naranja mecánica, Teléfono rojo o Barry Lyndon son claros ejemplos o contienen matices) y por otra parte, salvo en la última escena de Senderos de gloria, no se dejan implícitos los efectos de la guerra en los soldados como personas. Cabe destacar que Kubrick se planteó desechar el final escrito en el guión y cambiarlo por uno feliz, pero fue convencido por Kirk Douglas de que la película debía terminar tal y como al final se rodó.
No obstante, Senderos de gloria fue censurada en varios países europeos, entre ellos Alemania (sólo durante dos años), España (caso sangrante, puesto que no se estrenó hasta 1986, once años después de la muerte de Franco), Suiza, Bélgica (se produjeron disturbios durante los primeros pases de las películas) y obviamente Francia, aunque en este caso, fue la productora United Artists la que simplemente no se atrevió a presentarla hasta 1972. Como última curiosidad, añadir que fue durante el rodaje de la película en Alemania donde Kubrick conoció a su última mujer, Christiane Suzanne, que es precisamente la chica que canta en la última escena de la película.
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Película completa en castellano.


Senderos de gloria - Castellano from Carr Piinkpank on Vimeo.

Apocalypse Now Redux de Francis Ford Coppola.

Ficha técnica y sinopsis. Portada del programa de mano.


“Vietnam fue lo que tuvimos en vez de una infancia feliz”

Michael Herr. Reportero, Guionista.


Apocalypse Now (1979) de Francis Ford Coppola narra la historia del capitán Willard (Martin Sheen), quien, escoltado por un reducido grupo de soldados, deberá remontar el río Nang en busca del coronel Walter Kurtz (Marlon Brando), un condecoradísimo oficial que ha perdido el juicio al tiempo que ha establecido un reinado de terror en la desembocadura del río.

La película se inspira libremente en la novela El corazón de las tinieblas (1902), de Joseph Conrad, y utiliza elementos de la publicación de 1977 Despachos de Guerra, del corresponsal Michael Herr. En cuanto a la búsqueda de ciertos precedentes cinematográficos, cabría fijarse en Lord Jim (1965) de Richard Brooks, también basada en un relato de Conrad del mismo nombre (que comparte el personaje de Marlow con El corazón de las tinieblas), y en Aguirre, la cólera de Dios (1972), abrumadora experiencia selvática de Werner Herzog.

Apocalypse Now se rueda en escenarios naturales de Filipinas, República Dominicana y California (Napa Valley), con una inversión de 35 millones de dólares. La etapa de producción se eterniza durante algo más de 3 años, ya que Coppola comienza a trabajar en la obra ya en 1976. El rodaje en Filipinas tiene que afrontar numerosas dificultades y contratiempos, que implican duplicar el presupuesto, lo que obliga a Coppola a hipotecar sus bienes personales.


Portada de la película

Apocalypse Now Redux es una versión ampliada y definitiva de la épica obra de 1979. A diferencia de otros montajes, ha sido considerado como una película prácticamente nueva por admiradores y críticos, así como por el director Coppola. La película añade 49 minutos de material, y representa una significativa evolución respecto al original. 

Coppola, junto a su colaborador Walter Murch, añadió varias escenas que resaltaban la grandeza de la historia original. Estamos, pues, ante un enigmático ejemplo de arte mayor: la perfeccion perfeccionada. Algo así como un capítulo inédito de «El Quijote», otra «menina» nunca vista, una escena desconocida de «Hamlet»...


El coronel Kurtz (Marlon Brando), de las Fuerzas Especiales del Ejército de EEUU, lidera sus propias tropas de nativos como un semidiós.

Visitando la nueva ampliación estrenada en 2001 en el Festival de Cine de Cannes, se contempla una versión bastante enriquecida de una película incendiaria que conserva la mayor parte de su poder. Reafirmando su estatus como la última obra maestra de Coppola, sugiere una meditación sobre la locura y la barbarie de la malograda Guerra del Vietnam, pasando a considerarse como una epopeya de terror que va más allá del cine bélico. Las sensaciones que transmite son tan terribles, y el poder de sus imágenes tan magnético y desbordante que permanece en la memoria después de su visionado. 

A nivel de intérpretes todos los papeles principales son dignos de ovación. Martin Sheen, convulsivo y alienado, experimenta un embriagador viaje a través de su conciencia, que lo arrastra por los límites del olvido. El protagonista consigue que el Marlon Brando más grotesco y sobreactuado no le eclipse. La mención especial es, sin duda, para Robert Duvall ("il consiglieri", entre otros…), al que le sobran narices para hacer surf durante un bombardeo y disfrutar del olor a napalm antes de desayunar. 

Pero no solo el elenco de actores salió victorioso de esta odisea, porque el grandioso resultado final de esta película también se podría haber visto muy mermado sin la fotografía de Vittorio Storaro, la implicación del polémico John Milius en el guion, o la participación directa e indirecta de una selección musical imprescindible.

El capitán Benjamin L. Willard (Martin Sheen) tiene asignada la misión de acabar con Kurtz.

Conviene destacar el aspecto filosófico del guión, que sin caer en pretensiones ininteligibles, plantea la inutilidad de la guerra y todos sus factores paradójicos: la falsa moral, la ridiculez de tirotear a civiles para luego transportarlos a los hospitales o la hipocresía de castigar a un oficial por asesinato en medio de un conflicto sangriento y bárbaro. Todas estas dudas y planteamientos se presentan en forma de concienzuda reflexión en la mente del capitán Willard a lo largo de su viaje, dotando al film de una gran profundidad.

La película ganó la Palma de Oro en Cannes y fue nominada tanto al Óscar a la mejor producción como al Globo de Oro al mejor drama.

Toni Cristóbal

Sin novedad en el frente de Lewis Milestone.

Ficha técnica y sinopsis. Portada del programa de mano.
-"Aquí se exibe la guerra tal como es: una carnicería". 

-"La Sociedad de las Naciones no podía hacer una inversión mejor que comprar todas las copias de la película, reproducirlas en todos los idiomas para que pueda ser vista en todas las naciones todos los años hasta que la palabra guerra desaparezca de los diccionarios". 
Lewis Milestone. 

-“Este relato no es una acusación ni una confesión, ni mucho menos una aventura, ya que la muerte no es ninguna aventura para quienes se enfrentan a ella cara a cara. Sencillamente intenta hablar sobre una generación de hombres a quienes, a pesar de haber escapado a las bombas, la guerra destruyó.” 

-”Vivimos en las trincheras, luchamos, intentamos seguir vivos y a veces nos matan. Es todo.”
 Fragmentos de la película. 

           Ésta fue la primera gran película antibélica de la era del sonido. No sólo es destacable por su mensaje pacifista, sino por el hecho de que una película americana tratara el tema de la “Gran Guerra” desde el punto de vista del enemigo.

Antes de comenzar con la proyección de la película, introduciremos un pequeño resumen de lo que fue la Primera Guerra Mundial (1914-1918), aprovechando que tanto esta película como “Senderos de Gloria”, nos muestran más ampliamente los dos lados del frente.

Desde el punto de vista alemán y haciendo referencia al título original del film, Alemania estuvo enfrentada con Francia en el llamado frente occidental que es donde se desarrolla la acción.
Está dirigida por Lewis Milestone, el cual participó en la Primera Guerra Mundial en la que trabajó como ayudante de dirección en los filmes de entrenamiento de las tropas estadounidenses. A partir de aquí, adquirió una serie de conocimientos que fueron la base para convertirlo en uno de los directores de referencia de la década de 1920 en Hollywood. Cuando acabó la guerra se trasladó a dicha ciudad para incorporarse en la industria del cine. Saltó a la fama con “Hermanos de armas” de 1927, con la que ganaría su primer Oscar como director. Tres años después ganó el segundo por “Sin novedad en el frente”. 

El argumento, adaptación de la novela del mismo título de Erich Maria Remarque, trata de un grupo de jóvenes voluntarios alemanes en la Primera Guerra Mundial. Al verlos por primera vez son unos escolares optimistas, patriotas, llenos de fe en la gloria de la patria. Pero, más tarde, cuando se encuentran con la miseria de la vida en las trincheras y empiezan a comprender la atrocidad y el derroche inútil de la guerra, sus ilusiones románticas se deshacen rápidamente, su idealismo se esfuma. La última toma, la del soldado y la mariposa sigue siendo uno de los momentos más vívidos e inolvidables de la historia del cine. Entre los muchos valores de la película se cuenta el de no hacer concesiones al público, siendo un retrato bastante crudo para los espectadores, sobre todo en las escenas de batalla. Fue valiente por parte de Hollywood abordar este tema en la época en que la Depresión empezaba a notarse, y el público buscaba escapismo. Tal vez por eso el tono de la película haga uso, a veces, de un humor negro que haga menos dura la historia que se nos está enseñando. Pero su gran éxito quizá se debiera a que era una película asombrosa para su época desde le punto de vista técnico. En aquellos comienzos del cine sonoro, cuando los equipos todavía eran primitivos, el director fue uno de los primeros que utilizó una grúa gigante para obtener una toma panorámica del paisaje embarrado y destrozado donde luchaban y morían los hombres. En la batalla se utilizan numerosas explosiones y se hace uso de los travelling para mostrar el avance o retirada de posiciones. Como espectadores avanzamos, trinchera a trinchera, con el frente de la guerra. El resultado es una visión realista de la guerra de trincheras. El sonido ambiente es fundamental, compuesto sobretodo por explosiones, disparos de ametralladoras y silbidos de bombas. El montaje utiliza los fundidos a negro para separar el avance de la guerra, desde el alistamiento hasta el regreso al frente.


El protagonista fue Lew Ayres, que el año anterior había aparecido junto a la Garbo en la última película muda de ésta, “El beso”. Ayres sólo tenía 21 años por entonces; tuvo una larga carrera llena de éxitos, aunque su estrella se empañó cuando se declaró objetor de conciencia en la Segunda Guerra Mundial.
“El idealismo se ha perdido. Ahora sólo quedan el desánimo, la derrota y la muerte”. Estas fueron sus declaraciones al respecto.

“Sin novedad en el frente” es la película por la que siempre se le recordará. Lo mismo podría decirse de Milestone, la verdadera estrella de la película. Aunque dirigió otras buenas películas, entre ellas la versión de 1931 de “Primera Plana”, “Sin novedad en el frente” sigue siendo su gran obra maestra. Ésta es una película por la que no pasa el tiempo, hace un acercamiento real a la guerra y a todo su entorno.

El relato tiene la frescura de hace más de 70 años. A diferencia de muchas películas con “mensaje” esta adaptación conserva todo su impacto y poder original. Las batallas son siempre libradas por la juventud, que no eran conscientes de su inútil sacrificio, creyéndose invencibles e invulnerables. Los que nunca tendrán que afrontar a la muerte siempre les gritarán desde atrás, o desde la seguridad de una cervecería con mapas desplegados sobre la mesa, una cerveza en la mano y un puro en la otra. Alentándoles a avanzar, pero incapaces de ponerse en vanguardia. Esos hombres, escondidos en sus cuarteles lejos de la batalla, seguirán mandando jóvenes y más jóvenes a luchar y a morir por ellos.

JMT.


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